我喜欢在具有文化冲突的地方拍摄照片。
——马格南摄影师 Alex Webb
我也拍摄商业图片，用赚到的钱来养活自己，资助自己拍摄纪实摄影作品，有的时候我也能够拿到基金来拍摄照片，但是很多时候我在负债经营我的摄影。
——马格南摄影师 Alex Webb
我曾经为美国国家地理去拍摄亚马逊，整整耗费了5个月的时间，这是我遇到的前所未有的奢侈的任务，以前从来没有发生过，以后也再也没有遇到。
——马格南摄影师 Alex Webb
有的时候，你以前的工作可能给你以后获得任务带来机遇。因为我拍摄的墨西哥边境的照片，时代周刊在做一个有关这个题材的特别报道的时候，首先就想到了我
——马格南摄影师 Alex Webb
我的拍摄方式是，当我闻到哪里有照片的气味，我就在这块地方转来转去，假如有一个地方有很好的背景，我就在这里等待合适的前景。
——马格南摄影师 Alex Webb
我还仍然拍摄胶片（2004年），因为只有胶卷才能给我熟悉的感觉。
——马格南摄影师 Alex Webb
小型相机可以带来很多便利，比如不像大个儿的数码相机那样引人注意。在那种很敏感的政治会议上，一个穿黑衣手持莱卡相机的摄影师甚至可以隐没在四处的家具陈设中，丝毫不会引人注意。
———时代周刊图片编辑MaryAnne Golon
和音乐产业一样，新闻摄影工作也被数字化时代彻底改变了。在1980年代，图片编辑可能会跑到机场和港口，就是希望能够早一点儿拿到照片，快就可以在竞争中获得优势。但是在数字时代，依靠网络的优势，独家性的概念几乎不存在了，到处都是照片。图片社生存的关键就是提供大而全的图片供应，更便捷的检索方式，让客户能够迅速找到需要的图片。最终的结果是，大的图片库越来越大，而小图片库则濒临灭亡。
——路透社图片编辑 Ayperi Ecer
摄影师要善于经营自己，不要认为把自己托付给一家图片社就万事大吉，图片社不可能帮助你一个长远的发展，你要有自己的专长，有个人作品集，有自己的专门领域，比如人像或者某种个人风格。
——路透社图片编辑 Ayperi Ecer
即使让图片社代理自己的作品，也不能忽视和图片编辑之间的联系。我警告那些想走艺术之路的年轻摄影师，不要到图片社去，策展人痛恨图片社，因为他们会使你改变太多
——英国作家，策展人 Val Williams
又：从明天开始我在青海摄影节的研讨班，如果可能的话，将在这里现场直播
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荷赛大师班研究——又来了！
下面这个环节估计不像以前那样沉闷，名言警句，畅销书的体裁。。。
以下的内容来自荷赛通讯，是荷赛的宣传刊物，每年都对大石板的讲课内容进行总结。
- 从萨尔加多到南格丁，我们可以看到，自我的力量有时能够强于市场的压力。每个摄影师都应该有一个自己的拍摄项目，并为之释放自己天才的想象力，这至关重要。来这里参加大师班的学员，都不是想仅仅通过摄影糊口饭吃。
- 如果你不去纽约，你就不会真正了解摄影市场
- 摄影作品最近一段时间颇受画廊青睐，但是要小心，小心你的作品被置于一个陈腐的语境中展出，同时你也要了解画廊的受众究竟是哪些人就影像传播的影响力来说，展览不会持久，图书出版的影响力则是持久的，而杂志介于两者之间
- 就图书出版来说，与优秀的设计人员一起工作非常重要接受赞助而完成的拍摄题材，要积极和赞助商沟通想法
- （展览、图书、媒体、基金支持）以上这些都是帮助你传播作品，进入市场，积累名声的方式，你一定要抓住机会，并且努力和其中的关键人物建立并保持个人联系
- 策展人和图片编辑只能挑选少量作品发表，是片面的阐释，这是一个局限，2003年的大石板学员作品展采用了新的形式，展览作品可以由观众来编辑，他们可以对挂在墙上的作品重新排序，可以选择其他作品对墙上的照片予以替换，还可以观看到不同的图片编辑的选择。2003年的展览，照片是可以移动的，下面挂在墙上的盒子里还有可以替换的作品和其他编辑的选择
——以上发言来自 Francois Hebel,他2001年接手负责法国阿尔勒摄影节，让一个财政上濒临灭亡的摄影节起死回生。
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昨天说到艺术品和公众的距离，今天突然想看看最近那些摄影博物馆都在展览什么作品，
选择了一些，一起饱饱眼福吧
荷兰 foam摄影博物馆 http://www.foam.nl
- Bound for Glory, America in color: 1939-1943
美国农场安全管理委员会纪实摄影项目，彩色作品选
- 荷兰年轻摄影师 maarten van schaik作品 拉斯韦加斯
美国icp摄影艺术中心http://www.icp.org/site/c.dnJGKJNsFqG/b.732135/k.D880/Museum.htm
- 韩国当代摄影师 Atta Kim的作品 on air
- 布兰德（Marianne Brandt）包豪斯艺术，摄影蒙太奇
- 尤金阿捷特 巴黎
法国摄影博物馆 Maison Européenne de la Photographie http://www.mep-fr.org
- Gabriele Basilico 摄影作品展 郊外
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Antonis 在我的博客上留言“我还是希望纪实摄影能通过大众传媒向公众展示，因为它们来自生活，也应该回归生活。 ” 我同意他的观点。
艺术作品不是高高在上的，博物馆和画廊对艺术品的收藏，是在帮助我们拉近艺术品和公众之间的距离，实现艺术品的文化价值。
无论是博物馆还是画廊，这两条渠道的传播对象也仍然都是普罗大众。其实这是一个非常简单的思路，博物馆的藏品是用来告诉大众和我们的后代，今天的社会发生了什么，我们在想什么；画廊则是连接艺术品和私人之间的桥梁，不是所有的购买者都抱着投资的态度购买艺术品，挂在家中的作品，实现了艺术品的审美价值，而实用本来就是艺术一个最原始的功能。
但是，博物馆和画廊同样是面对公众传播渠道，这一点被我们的一些创作者忽视了，更可怕的是他们仅仅看到了其中的市场价值，因而才会创作完全取悦那些二道贩子的作品。而事实上这些作品之所以被收藏，或者说必须被收藏，其背后的动因应该是它们具有文化价值，它和艺术品的商业价值应该是相辅相成的。
我对这一点了解比较深刻的是在做图片编辑手册，整理策展人这一小节内容的时候，我查阅了一些资料，才真正理解了策展人的工作：
“策展人是从英文curator翻译而来，这个职业主要存在于博物馆，美术馆，画廊，同时还有一些独立策展人，并不隶属于以上任何机构。策展人的主要工作是保存，展示以及介绍艺术作品，发掘艺术品的潜在意义，最终达到教育公众，促进艺术品的流通或者给公众带来艺术的享受的目的。策展人要对作品的理解超出一般公众，他们要认识到这些展品独一无二的意义。
对于博物馆的策展人来说，与一般的学术研究机构不同的是，他更要担当公众和藏品之间的桥梁，博物馆面向的人群结构多种多样，从学前班的孩子到成年人，展览的设计要能够激起公众的兴趣，引起他们的想象。因此，博物馆的策展人的主要工作除了为即将到来的展览做计划，对展览馆的展品进行组织，行远期规划，同时还要配合进行对公众的教育组织活动，比如短讯班，讲座，研讨会等等。”
从策展人的角色定位上，你可以看到艺术品的收藏不是冷藏，通过策展人这个桥梁，它们要和公众见面，实现艺术作品的教育和审美的功能。
而对于我们目前国内的状态来说，第一，我们没有很多真正对观众负责的博物馆和艺术馆，第二，我们因此没有真正的策展人，第三，我们的艺术家因此只好为海外博物馆画廊创作，他们的作品也因此无法贴近国人的心灵。
我记得上学的时候，一个失眠的晚上，读余华的《许三观卖血记》竟然哭得一塌糊涂。但是我在很多当代艺术中却难以体会到这样的心情，他们有着太多太多对庶民的嘲弄。艺术家不是高高在上的神。我觉得在这整个链条中我们都错了位。
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最近一些回复，我使用了在留言下面直接回帖的方法，在首页的最新留言的地方并没有显示，
因此提过问题的朋友可以直接点开自己的留言察看回复。
小石板的成员，凡是交过计划的请察信件，里面有已经更改过的最新密码，根据我们的要求，
没有交计划的算退出。
另外，新的一期影响已经推出，是世界杯特刊http://voice.chinafotopress.com/10th/index.htm
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休斯顿摄影节,中国摄影杂志社,中国惠普与高磊工作室,将在今年10月底举办”2006 北京见面会”( MeetingPlace, FotoFest Beijing 2006 )的活动.
听朋友介绍，刚刚看到高磊在他的网站上发布的这个消息，很是兴奋，终于可以在国内看到真正的meeting place了，感谢高磊。
我第一次了解meeting place是2004年参加平遥摄影节，吴嘉宝老师在策展人学院中搞了这个活动，但是宣传力度不够，没有人识货。随后我在为平遥小报撰写世界各地摄影节介绍的时候发现，策展人,评论家,媒体对摄影师的个人作品集的浏览，是很多摄影节的重头戏，这通常是一个收费项目，但是很受摄影师的欢迎，因为通过这种交流，摄影师的作品很可能获得展出，发表，甚至被博物馆收藏的机会。
平遥的meeting place在吴老师的组织下已经有些模样，但是很多参加的摄影师根本不明白这是一个什么活动，大家准备都不充分，当年我也参加了一把，现在简单介绍一下经验。
第一，我觉得首要重要的是自己的个人作品集技术制作要像样，所谓像样，不能准备一些电子文件凑伙。起码是一本集子，附有英文说明，能够拿出制作质量达到展览级的作品最好。
第二，之所以要这么大动干戈，因为和这些人的会面，对于新人很可能是推开通往博物馆、画廊、影展的大门的机会，需要呈现自己的最高水平。
第三，所谓作品集，最好是在整体上能够呈现你的创作思想，创作方向的作品，不一定要是一个专题但是绝对不是凌乱的一堆照片。
第四，思路要清晰，见面同时也意味着交流，大师们会询问你的创作思想，他们的提问一方面是了解你的潜质，另一方面也会帮助你理清创作思路。
第五，谈话有两种后果，一种是他会留下你的联络方式（所以名片的要准备的）另一种是他会给你一些创作上的建议。
2004年我抱着笔记本电脑去参加见面会，看见旁边两个不知哪一国的学生整个大纸盒子的照片，我就知道没戏。我看到高磊吆喝来这么好的阵容，关键还是免费，就替年轻人高兴。我继续发现，几年来我还是没有啥长进，要是看这篇博的年轻人，已经有了自己的摄影思想，已经在持续不断的实践，已经可以拿出至少不辜负自己的作品，我劝你要去试一下，报名的网址是：
http://www.q-image.com/MPB/MPB2006/
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昨天汗衫提到纪实摄影被越来越多的用于广告，这个话题可以延展开很多东西。
其实纪实和广告的渊源应该追溯到纪实和时尚的关系。时尚摄影大量采用纪实风格的作品，从而促使广告摄影也步其后尘，我想在这里讲一个故事。
英国女摄影师Corinne Day的摄影生涯备受争议，起初她只是一个周游各地的模特，后来她开始拍照，拍身边的同事，并且得到了面对年轻人的杂志“The Face”的青睐，杂志社让她去拍点时尚摄影给他们看，Corinne Day跑去找到她的朋友，也是一个模特公司的，但却是刚刚被从大街上捡回来的流浪儿Kate Moss，当时只有14岁。1990年the face杂志的封面刊登了Day的作品，kate moss瘦骨嶙峋，没有传统模特的美貌和高贵，但是充满流浪气质，她表现出的青春期的颓废立刻风靡英伦，开创了一种叫做”grunge”的风格(英文中的俚语意指难看难闻，肮脏丑陋的东西，也是摇滚乐的一种风格)。1993年Day又拍摄了kate moss,这次是在她脏兮兮的公寓里。kate穿着肥大的外套，这一系列作品再次改变了时尚摄影的风气，这种被称作’dirty realism’（肮脏的现实）的风格成为全球流行的时尚风格，并且影响到了广告摄影的表达。
随着Day名声鹊起的同时，kate moss也成为至今仍然十分活跃的超级名模。从一个流浪儿童到时尚天使，kate moss是充满传奇色彩的神秘女郎。2006年9月开始在荷兰的foam摄影博物馆将举办一个叫做The Kate Show的展览，其中包括不同摄影师拍摄的kate mass的作品。而这个展览的目的，则是“希望能够揭示公共生活和私人生活之间的关系以及媒介的力量”
Corinne Day仍然坚持她的风格，她打破了80年代在时尚摄影界一直占统治地位的唯美风格，用一种非常随意，无所谓的态度拍摄，挑选反传统的模特，彻底打破主流媒体中一贯以来形成的刻板印象。此外她还用十年完成了叫做Dairy的作品，记载了她和她朋友的私人生活，这部作品让我们记起了南格丁。
回到我们谈的话题上来，美国昆士兰大学的Ellie Rennie有这样一个结论，时尚摄影中的纪实元素确实在不断增加，随着从画报时代起新闻摄影优势地位的建立，新闻摄影的美学色彩被渐渐重视，并且有一部分作品可以提升到艺术作品，实质上，在今天一些原本水火不容的形态，比如时尚摄影和报道摄影，则呈现融合状态。而这种变化的缘由，可能来自于一些最简单的动因，正如Day自己说的：“时尚杂志已经刊登了太多关于性和诱惑的东西，我希望能够在这个虚幻的世界里增加一些现实色彩。”
Corinne Day 个人网站 http://www.corinneday.co.uk/profile.html
The Kate Show展览新闻稿http://www.foam.nl/index.php?pageId=311
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2004年我去荷兰的时候，买的第一本书就是color,对这本杂志的了解是从“城市画报”，当时就垂涎三尺，因此，终于可以一睹真颜的时候着实兴奋。
“城市画报”有和color一样的创意气流，但是内容过于甜美。color是双月刊，有七个版本，使用八种语言，在60个国家有售，面向全世界的年轻人说话，它尊重世界各地不同文化，每期都有一个主题，选题从非常严肃的战争、艾滋病，到比较轻松的购物，时尚，玩具等等。但是无论怎样的选题都有非常鲜明的color观点，反传统，大胆。在操作的时候，照片非常重要，因为color认为这是一种全世界畅通无阻的语言。
对被摄对象以影室肖像的拍摄方法纪录，使其以一种纯粹的，甚至档案式的方法展现是color惯用的方法。color第58期的主题是影室，http://www.benetton.com/colors/issues/58/photostudio/对肖像的力量作了很好的诠释。其中包括9个国家的照相馆介绍和他们的作品，怎样拍好影室照片，以及怎样制作一个针孔相机。另外有趣的就是世界各地读者上传的他们的影室照片。这个专辑绝对值的一看。
color还有一个惯常的做法是将与拍摄主题有关的物品直接纪录下来，2001年的时候，为了庆祝杂志创刊10年他们举办了一个叫做Extra/Ordinary Objects的展览，那些在我们眼中非常平常的，有用的没用的东西，都成了展示不同文化的象征。后来这个展览形成了一本书，叫做1000 Extra/Ordinary Objects。 我竟然在国内一家网站上看到有卖的，心头一热，买了一本。这且算今天早晨最大的收获。
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为摄影重新分类
oliviero最为出位的做法是他竟然打破了摄影领域内界限分明的“Editorial”（报道）和“creative”商业广告摄影之间的界限。用简单的话说，就是他把摄影中假的和真的之间的界限打破了。比如贝纳通有一则非常有名的广告，新闻摄影师拍摄的艾滋病患者最后的弥留时刻被用在这个品牌的广告宣传招贴上.而Oliviero本人虽然不是一个报道摄影工作者，但是却也经常在自己的作品中表达对时下政局和新闻事件的看法。比如在Stern杂志上，他曾发表了一篇长达10页的关于意大利前总统Berlusconi报道,报道的题目叫做“说谎的人”。
而为什么一个所谓的时尚摄影师要跨越边界来做这些事情，他有自己的理由，第一，作为一个摄影师是幸运的，你比别人有更多的机会去看世界，发现世界，因此你必须对你的工作负责。第二，为什么有些人要将自己称作“关心人的摄影师”（concerned photographyer）难道我们都不应该是这样的摄影师吗？
在oliviero的观点里我抓住了这样的核心，他对摄影分类的挑衅，来源于他对“传播”这个词的认知。传播是必要的，但是在流通的过程中最重要的是信息和符号，而不是所谓的观点。他是这样说的：“我们都有责任把历史告诉我们的后代，我们需要让未来考古学家知道发生了什么，但是我们并不是在研究这一切，因为我们有能力做吗？如果摄影能够提到如此至高无上的地位，也许就没有贞德、拿破仑，甚至耶稣。”
oliviero还说了这样一些话：“至于观点的表达，绝对不是以交流为核心的，因为交流意味着一种力量对另外一种力量的屈服，如果需要合作一定会失去激情，最后将导致一种中庸的结果。担心失败一定会导致中庸，因为你寻求的解决之道一定是最不具风险的，人总是希望避免现实而生活在过去的经验里，因为那样是没有风险非常舒服的。在今天的传播语境中，人们互相给予的只是彼此现在需要的，是单一的，而且这种现象被到处复制，衍生，最终让我们经历的一切都非常痛苦、肮脏和糟糕。”
我很艰难地弄懂了oliviero说的一切，也明白了为什么艺术家都是一些偏执狂。而把这篇文章跟在对大师班学员的研究之后，我可能想说的是前面的很多所谓研究大概都是白费，这些年轻人没有循着法则“安全”的办事才是最重要的精神，因此总结出来的所谓一、二、三，能够大家一些灵光就好，千万别当规律与结论。
更多信息可以参考http://cn.cphoto.net/overseas/tskn/index.htm 顾铮 托斯卡尼：“出售苦难”的广告摄影师
预告：明天俺将给大家介绍俺超级喜欢的“colors”杂志，今天你们就可以到它的网站上去看，绝对超值保证你不后悔。http://www.colorsmagazine.com/index.php
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最近又说了太多，我觉得几乎不能再说下去了。在每天清晨蹦出来的这些话，敲击键盘的时候，我都在想，不能说了，这样下去我就没有办法拍照片了。
依照我惯有的严密逻辑，今天应该总结。我决定翻译一个惊世骇俗的人的一番惊世骇俗的话，他将打乱我们在摄影领域建立起来的所谓秩序，我觉得这样好，这样我就又有办法拍照片了。
2006年，荷赛颁奖典礼上，惯常应该有一个大讲座，今年请来的这位是Oliviero Toscani,他问台下的观众:”时尚摄影师请举起手来！”，但是无人回应，他大声地喊叫：“不！你们都是！我用同样的相机既拍摄高级时装的酒会，也拍摄索马里的难民。”——没有这个摄影那个摄影，只有摄影——这就是这个家伙讲座的主题。
google一下这个人，生于意大利米兰，父亲是个摄影记者，大学里学习的是摄影和设计。创造了无数优秀的广告摄影作品，为世界著名品牌拍照，作品刊登在世界著名的时尚杂志。1982年开始为贝纳通（‘united colors of benetton’ ）工作，他的广告创意，比如修女和传教士接吻，黑人和白人在一起的形象等使贝纳通成为备受争议而又颇为瞩目的品牌，建立了自己的品牌形象。随后他创建了“colour”杂志，以一种纯粹的心态拍摄报道世界各地与我们生存息息相关的话题，照片拍摄和图片运用大胆富有创意，我手头有一本主题是“能源”。接着他又创建了‘fabrica’中心，研究当代艺术。
让我们回到Oliviero的讲座中来，荷赛的册子为我们还原了他的讲话，仅仅阅读文字你都能感到他带来的硝烟的味道
艺术和商业摄影
Oliviero认为他的确是在为一个以市场为中心的媒介拍照，但是什么是市场？市场就是人们聚集交换意见的场所，而艺术难道就远离市场吗？实际上，艺术家感受到的市场的压力比商业摄影更大，这并不奇怪，在文艺复兴时期那些画家，他们的生计来源就是当时的教皇。
作为一个摄影记者的儿子，Oliviero理应对于媒介的重要性有着更深的认知，但是他的观点却是非常反传统的，他认为自己不是影室摄影师也不是创意摄影师，他更看重照片在媒介中呈现的重要性，他认为照片如果没有发表就好像一个孩子被剥夺了出生的权利。
oliviero成长在六十年代，一个时尚摄影的黄金时代，那个时代的连时尚也是以社会政治为中心的，他说，当我奉命去拍梦露的短裙的时候，我也在想如何表达我的观点，让我沉迷于时尚摄影的根本原因就是，他能够让我做出我自己的选择。
最近Oliviero拍摄了“童年记忆”的专题，表现一些老人当他们还是孩童时经历的二战的记忆。他看来摄影的描述是线性的，这也许是它的缺点，但是摄影师的艺术表现能够弥补这种不足，有一个非常古老的问题是关于摄影的客观性，但是没有人是客观的，甚至没有一台相机是客观的。我们或许都在高深莫测和世俗的观点风格之间转换，但是有一点是绝对的，我们都是完全自由的可以尽情创造的。
贝纳通的系列广告引发了各个层面的争议
（未完待续）
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