7 Foil
http://www.foiltokyo.com/english/entereg.html
日本的一家艺术书出版社,不但出版各类艺术画册，同时还做艺术杂志，并拥有一个画廊。
摄影书是这家出版社的重头，他们的重头摄影师是 川内伦子（Rinko Kawauchi），这次书展还特地邀请她签名售书。她的几本画册，第二天去就已经销售一空。
8 schaden
德国一家摄影艺术销售平台。所选择的图书都不错。
http://www.schaden.com/
9，Marks of Honour
这家出版社的出版创意很精彩，用书的方式向经典摄影书致敬。从2005年开始，已经邀请41位艺术家制作个性画册向前辈致敬，2008年这一季则有13位艺术家参与。 这些艺术家的作品都和所致敬的图书双双出现，实在让人爱不释手。
Harvey Benge：向William Eggleston致敬
Mark Power向Stepen Sore致敬
Pieter Hugo 向Roland Barthes致敬
10 最后介绍的是两家艺术书销售商
Idea Books 位于荷兰，更倾向代理一些小型独立艺术书。书展上他们陈列的样品都颇受欢迎。
Distributed art publishers，这个则是规模比较宏大的艺术书销售总汇，在这里可以一网打尽全球最新出版的艺术书。
摄影书博客5B4也介绍了纽约艺术书展，他的博客上可以看到更多现场报道。
今天继续介绍我喜欢的书铺
4,schmid先生
Joachim Schmid，德国人，怪人，偷照片的人。书展上，他看守着一堆有着奇怪标题的硬皮小画册，封面颇为简单，皆为简白纸黑字：大鱼（big fish）第一张照片（first shots）食物（food）等等。这些作品系列统称为《他人的照片》（ Other People’s Photographs）
确切地说，他是一个当代视觉文化的“策展人”，他把人们随意丢弃在公共空间里的照片，有组织有纪律地收集起来，这些照片可能同样也出现在某个flickr的小组中，但是在Schmid先生这里，这些集纳是一种冷幽默——看，你们都在拍怎样的照片，抑或是，呀，原来人们这样使用照片。
图片来源：Joachim Schmid
5，Dashwood
这不是图书出版商，而是一个书店，据说是纽约唯一的专门经营摄影图书的独立书店。
这家书店关注的领域集中在1960年以后的当代艺术，他们将很多小型独立出版社的摄影画册介绍到纽约来，比如：Hysteric Glamour (Tokyo)， Osiris (Tokyo) , Verlag Schaden (Köln)
6, Zines Mate
Zine’s Mate是东京一个艺术书集市的品牌，因此也就成了一个巨大的日本小青年的艺术书收纳柜。他们展示图书的方式很特别，各种各样的图书晾在“晒衣杆”上，仿佛刚刚新鲜出炉。这些艺术书印刷装订很简单，甚至很粗糙，但是很多人的大部头恐怕都是从复印机做书开始的第一步吧。
图片来源 Zine
最近刚刚结束的纽约艺术书展（The NY Art Book Fair）我去了两趟，当时很兴奋，收了一堆名片和介绍资料拿回家研究，后来发现信息量太大了，都不知道从哪里说起，就在这里记一些流水账吧.
这个书市是以前在博客里介绍过的专门出售艺术书的书店Printed Matter发起的，今年搬到了PS1当代艺术中心。占据了整个艺术中心的楼上楼下。
可能要明确一下这个“艺术书”的概念，事实上，从这次书市的参与者来看，所谓艺术书，一方面指内容有关艺术的图书，另一方面则指图书的制作很艺术的手工书，限量版的书，以及其他有收藏价值的艺术图书。而后者显然更有趣一些。参加展览的既有一些大型的艺术图书出版社比如光圈，独立艺术图书出版机构，也有艺术家个体，还有书店，艺术图书渠道商，以及艺术杂志，一共有大约两百个摊位。
纽约时报称这次书展所展览的图书是：灵感闪烁，奇怪，迷人，美丽，你永远也无法从Kindle上获得与这些图书接触的独特感受。
伴随书展的研讨会主题也很吸引人：印刷媒体要死亡了么？至少艺术家仍然在做书。(“Is Print Really Dead? Artists (Still) Making Books.”)。
以下就是我选出的十佳摊位（排名不分先后）：
1，Redfox
这家的书透着一种乡土气息，“乡土”不是“土”，而是一种非常可爱的拙朴。
他们的每一本书里都有个小花招，却又不过分炫耀，你看的时候似乎能够分享做书人哼着小曲装订每本书的快乐。
他们的主打图书是这本：大木盒子里有一堆小玩意儿，印章，明信片，甚至还有图书的使用说明。
印社的出版人是一位可爱的爱尔兰老爷爷。看他乐呵呵的样子，你会禁不住产生在森里里弄一个作坊的欲望。
上了他的网站我又下不来了，点点，点，出来一堆好玩的，这就像在书展，我可是把他家的书翻了一个遍。
威尼斯一日游记
这本书的封面是木头的，里面是版画。
2，The Ice Plant
几本宝丽来的书很好看。
3，A-Jump Books
http://www.a-jumpbooks.com/Intro.html
他们家的书不多，但是清新可人。我最喜欢那本《铅笔画摄影简史》，几乎要买下，但最后还是觉得绘画者画得不够味道。临走时我冒出了两个主意，一个是回家要自己画一本，另一个是要将这个当成一项作业让学生一起来玩儿。
现在我有些后悔没有买人家的书，而是很不道德地偷了人家的创意。其实这个书展中，每每拍照的时候我都很内疚，因为那些主意太美妙了，这样咔嚓一下就被我弄走，真不好。
图书封面
内页
原作
明天继续……
还记得一次晚归，路过北京一个超大型居住区，街上行人寥寥，周围只有一小格一小格亮着灯的房间，这让我禁不住去猜想灯光后的生活，同时又突然感到特别寂寞，希望能够快步赶回家。
我的家，是那盏亮着黄色灯光的房间——住进来的时候，我把灯泡都换成了暖色调，因为，那才是家的感觉。
提起有关夜的照片，摄影发烧友可以找到专门的夜景摄影指南，谈论如何用慢速度快门捕捉绚烂迷离的夜色，最为典型的便是教你如何拍摄汽车的车灯——牵扯出纵横交错的光线。除了这些，我还看过很多摄影艺术家以夜为主题的创作：夜色黑暗而晦涩，潜伏着各种欲望。我最近阅读的Doug DuBois的作品却是一个例外，在他的镜头里，夜只是平凡生活的一部分。
“一个女士坐在起居室的黑暗里，就那么一个人坐着，喉咙上贴着很多胶布，似乎刚刚做过手术，她意味深长地盯着你，不要以为你可以躲过她的注视，她能够猜透你，甚至比你更了解你内心的秘密。”
这是摄影师 Amy Stein在阅读这本书时候的感受，照片里的女人是Doug DuBois的母亲，也是他最近出版的画册《日日夜夜》（ all the days and nights ）里面的主人公之一，另外一个则是他的父亲。
DuBois从1984年开始拍摄父母和亲人的生活，书评人 Jeffrey Ladd发出感慨： “拍自己的家庭实在是困难重重，更不要说用一种诚实的态度去拍了。”Doug DuBois的照片不是甜腻的家庭生活记录，也不是对琐碎瞬间的随手猎取，他的照片一片安静，却又如照片里他母亲的目光，平凡的瞬间里蕴含着深意。
这本书包含62张照片，时间跨度是25年，分成两个部分，前一部分是1984年到1990年间的家庭生活，后面一个序列则是1999到2008年的故事。DuBois的父亲在他拍摄期间不幸从通勤火车上跌落，导致重伤。这一突如其来的事故，打破了整个家庭的静谧气氛，全家人也因为这个事故而走到一起，共同度过难关，而随着父亲身体的恢复，孩子们渐渐成长，家庭又逐渐变得寂寥起来。
在DuBois的照片里，时光的流逝留下了痕迹。自父亲出事之后，母亲的脸上就失去了笑容，显然，痛苦和担忧使得她的内心受到了伤害，照片里父亲和母亲的关系似乎渐渐疏远，父亲孤独一人夜晚在起居室里看书，母亲的目光则显得非常忧郁。
“难道现实真的这么糟糕？” DuBois的父亲在看到样书的时候叫了起来。这一切的变化是通过如此细微的瞬间一点点堆积起来，甚至连照片的主人公都不曾觉察。
DuBois这样解释自己的作品：“我要表现的是家庭的疏离和幻灭，比如有张恐龙玩具的照片，人们刚刚看上去，会觉得它漂亮，但是随着你长久的注视，你会发觉照片背后的黑暗，甚至是丑陋。”
这并不是一本以讲述黑夜为主的照片，甚至全书都并没有太多黑暗的镜头，但是这本书会告诉你，黑夜并非是其表面所显露的那样，只是一种光亮的消失，或者是人造灯光闪烁的瞬间。黑夜是一种气氛，它在不知不觉中将你包围。
书中的故事让我想到我离家上大学的第一天，晚上躲在被子里大哭一场，我感到有些东西断裂了，那是我的成长，也是我的离开。
这本书用一些再平凡不过的瞬间，为我们描述了在无数个日日夜夜的累积中,平凡生活里蕴含的悲欢离合。阅读它就好像一不小心偷窥到某个亮着灯的小格子里的家庭生活，并同时发现，那也是我们自己的故事。
说了这周是读书周，就发一些书的消息。
昨天提到年轻摄影师 Ryan McGinley，正好最近光圈出了本新书，封面也用了他的照片“Dakota Hair” 。
这本名为《弗兰克之后 》（ After Frank ）的摄影文论集，作者是《纽约时报》艺术和生活栏目的记者、前纽约时报图片编辑 Philip Gefter。
书名叫《弗兰克之后》，就是在探讨罗伯特弗兰克之后摄影界的各种新现象，比如纪实的主观化，肖像摄影的多元发展，市场对摄影的影响等等。而被 Philip Gefter称为“后弗兰克”的摄影师还有 Lee Friedlander、Nan Goldin 、Stephen Shore 和Ryan McGinley等人.
看不到这本书不用着急，到纽约时报检索一下Philip Gefter，其中不少就是收录到这本书里的文章。
A Young Man With an Eye, and Friends Up a Tree便是写 Ryan McGinley的，文章回顾了McGinley出名的整个过程，典型的美国式的成功——把自己制作的50本画册，寄给自己仰慕的摄影师以及图片编辑，随后被惠特尼策展助理发现，认为其是美国新一代（youtube，facebook）年轻人的符号化象征，将其推上历史舞台，随后便出名，更出名。
不管惠特尼策展人对McGinley的艺术定位是否正确，他已经在商业上获得成功，广告公司认为他是新一代消费文化的代表，除去让他挥霍十万美元从东部一路玩到西部；除去刚刚得到戛纳广告奖的牛仔裤广告，最近他还为Levi’s拍摄了一组风格和Wrangler非常类似的牛仔裤广告。有人开始戏称他是牛仔裤摄影师，“这两家和青年文化已经相距很远的公司，大概都在去年参观了McGinley的摄影展——我知道夏天去哪儿了而深受启发”。这个展览就是那个十万美元旅行中产出的摄影作品展。
“我的成长非常美国式，周围老是有一堆人。我们是一个很开放的家庭。我的照片就是对生命的赞美——它有趣而且美丽。它们也是一个不存在的世界的记录，一个梦幻之地，有真正的自由，没有规则，那是我所希望的生活。”
难怪广告公司如此青睐McGinley，这段表白用在诸如牛仔裤这样产品的广告文案里，实在很有力量。
纪实摄影画册的书单中，Danny Lyon的《摩托党》（bikeriders）往往被列为必读的一本。他拍这部作品花了两年时间，说自己的目的是要拍一本反《生活》画报风格的作品，因为前者充当了美国生活的镇痛剂，蒙蔽了事实。
最近 ，Danny Lyon的个人作品回顾集《Memories of Myself》出版，以此为由头，纽约时报写了一篇报道：《Stubbornly Practicing His Principles of Photography》 （坚守自己的摄影法则）。挺好的一篇文章，值得一读。
这篇文章透露，Danny Lyon花了几年的时间拍了一套中国主题的作品，作品具体内容其中并未提及，只是说那是一个遥远、穷困的地区。Danny 说自己已经在头脑中架构好了这本书，但苦于找不到出版社。当Phaidon要给他出画册的时候，他立刻提出条件，如果你们想出我的个人回顾作品集，那么必须还要给我出这本中国的书。
Phaidon出版社对这个交换条件不置可否，我倒是真想看看这个家伙怎么拍的中国。因为文章中还提到，他拍中国的缘由是，因为美国在妖魔化中国，他则希望还中国以一种人性化的描写。
Danny的摩托党是一部典型的六十年代的纪实摄影作品，摄影师从旁观者变成了参与者。他说自己在拍这部作品的时候，身份依次是：摩托党，摄影师和学历史的学生。
作为一个作品已经得到广泛认可，被各大博物馆收藏和展出的摄影师，Danny的生活仍然清苦。他最近刚刚拿自己的作品和自己的牙医做成一笔生意，以此换来牙根管的治疗。他说：“现在的市场让每个人都要为五斗米折腰，我得要我的牙来工作。这么做我还是很开心。”
文章的结尾Danny说：“你给我一台相机放我手上，我就想要接近人，不仅是物理距离同时也是心理距离。两者都必须要。
“做摄影师是一件非常不可思议的事儿。”
看到一个有关摄影图书的奖项，由Kraszna-Krausz 基金会举办，目前已经发布了进入决赛的四本摄影书的名单，其中有两本书以前介绍过：
* Susan Meiselas: In History edited by Kristen Lubbin
* The World from my Front Porch by Larry Towell
还有一本书吸引了我的注意：
• From Somewhere to Nowhere: China’s Internal Migrants by Andreas Seibert （从某处来，但无处可去：中国内地的流动人口）
Andreas Seiber摄
到这个瑞士摄影师的网站上去看了一下，发现一部跟踪他拍摄过程的同名纪录片最近也刚刚摄制完成，并且专门做了一个网站，值得探访一下。
片子看得让人心酸。
三本书
“拿下”，这是淘书时最开心的时刻。应打算逛遍全世界书店的曾翰同学的要求，周密带我们去了旧金山一家艺术书店Green Apple Books。结果，我比曾翰收获更大。
我买了三本书，都是我喜欢的。
《论摄影》（on photography）这本书我已经有了两个中文版以及 2001 年的英文版，而这次则撞到了一本1990年的版本。旧书的封面是不是比现在的新版好看一些呢？封面设计是Carin Goldberg，以设计图书见长，可以去她的网站看看，有不少很不错的设计作品。
和早期企鹅出版社的《论摄影》一样，此书的封面使用了一张1850年的达盖尔银版照片，摄影师是一位美国人，姓名不详。我很喜欢照片里女人那种淡淡的神情，充满隐喻，而男人的姿势和样子则有些做作。选择这张照片作为封面，出版人和桑塔格本人恐怕都别有用心，这张包含照片的照片，与读者相隔两重时差，使得对之的解读更为复杂：人们为什么要和照片合影？
或许《Photography Until Now》这本书可以通过对早期摄影史的回顾，找到一些解读上面那张照片的线索。这是我买的第二本书。
此书源自MOMA1989年的一个同名展览，策展人和作者是当时MOMA摄影部主任John Szarkowski，他坐拥MOMA丰富的摄影资源，梳理了从摄影史前时一直到1980年代的摄影发展历史。书的文字不多，语言凝练，MOMA重要的摄影藏品都收录其中，在阅读大部头的摄影史之前，其实可以先拿这本书做一个热身。我强烈建议诸位去亚马逊购入一本。
书中有很多很有启发性的观点，John写史的方式是非线性的，常常包含各种穿梭和对比。他会把技术和文化传统联系起来，比如早期人们对达盖尔和卡罗式两种摄影术的态度，他指出，由于达盖尔银版法的成像质量高，更多被用于实用和记录的功能，而卡罗式摄影法则因其缺乏细节，被当作一种艺术。又比如，他还提到美国和欧洲早期摄影风格的不同，美国没有艺术传统，因此摄影一诞生就被当作一种技术，一种科学——自然科学而不是应用科学。这使得美国早期摄影史中，利用摄影展开地貌风光和纪实的探索是主流。
他最有趣的一个对比是斯蒂格里茨和雅各布里斯以及路易斯海因，这三个人在同一个时期都住在纽约，但是作为美国摄影领域的潮头人物斯蒂格里茨，却从来没有和另两人有任何交叉，尽管他也曾在言论中谈到，他关注工人，没有什么比观察下层人民，并且在头脑里刻画他们的形象更为让他着魔的。而实际上，斯是把劳动阶层当作艺术主题，“事实”并非他关心的对象，纪实和艺术在当时界限分明，这使得这三个人，成为处于同一个时空但却生活在不同时区的两群人。
回家之后发现一个有趣的巧合，《Photography Until Now》的第一章是“before photography”,而我买的第三本书则是《After Photography》
《After Photography》的作者是纽约大学的教授Fred Ritchin，他是当代重要的摄影理论家，尤其是对数字时代的影像颇有研究，这本书是他最新的著作。因为还没有展开阅读，我对书的内容没有什么发言权，在之前的这篇文章里，有提到一些他对数字影像的看法。
写这篇文章的时候，我觉得这三本碰巧被我收罗在一起的书，很是耐人寻味。阅读摄影史，就会发现摄影一百多年的历史实在短暂，早期大众对摄影的疯狂，到今天依旧是疯狂；斯蒂格利茨对皇家摄影学会风花雪月的反抗，到今天两股敌对势力依然存在；曼瑞和莫霍利纳吉对摄影艺术的思考，今天当代摄影艺术家未必能够比他们更深入。从历史发展的角度来看，摄影实在简单，并没有太大变化。但阅读《论摄影》之后，你又会发现，摄影似乎又比任何其他媒介都更为复杂，因为它用一种“观看”的行为，将所有的社会、文化生活都包容进去，而所谓观看的权利，观看的纯洁性，又是一个哲学问题。而现在，当我们还对老问题争辩不休的时候，数字时代的摄影，这个摄影之后的摄影，又带来更复杂的讨论。
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